Descripcion de Materias

DESCRIPCIÓN DE LAS MATERIAS:

  • PUESTA EN ESCENA (Gerardo Litvak):

    La propuesta  pedagógica está planteada como un espacio de experimentación, donde crear puentes entre las áreas técnicas y creativas que intervienen en la creación escénica.

    Los ejes de la cursada son:

    Entrenar, analizar y reflexionar sobre diferentes lógicas de abordaje en relación al cuerpo como territorio escénico y sus vinculaciones con otros lenguajes escénicos.

    El trabajo hará foco en la ejercitación del alumno en el rol de coreógrafo/director, propiciando la búsqueda de sus poéticas particulares.

    Proponemos la investigación sobre diversas lógicas de búsqueda, selección y organización de movimiento en función de una idea, promoviendo el análisis reflexivo sobre los materiales puestos en juego en función de los diferentes procedimientos de construcción de sentido.

  • TÉCNICA E IMPROVISACIÓN/ “Estudio del movimiento organizado” – Conexión y funcionalidad del bailarín (Eugenia Estevez):

    El objetivo del taller es desarrollar la conciencia y la sensibilidad como bailarines en relación a la comprensión de la vida intrínseca del movimiento, sus relaciones, su organización y su funcionalidad.

    Trabajaremos sobre la organización como función de la totalidad en movimiento, acto y pensamiento; la posibilidad de des-organización previa y posterior a la idea, sensación y percepción de estabilidad organizada; y la ante-organización como exploración práctica entre órdenes provisoriamente hallados.

    El foco estará puesto en la percepción y la calidad de la atención, en cómo asumir una acción de manera completa y simultáneamente abierta.

    El trabajo técnico se desarrollará como un estudio del movimiento organizado, sus conexiones y su funcionalidad, a partir de prácticas de autoconciencia a través del movimiento, trabajos de exploración sobre los principios de movimiento estudiados, secuencias de movimiento, la observación y el análisis crítico de los materiales.

    Entre los principios que estudiaremos se encuentran la interacción entre gravedad y resistencia, la relación elástica entre compresión y expansión, el movimiento ondulatorio, el despliegue y la conservación de la energía cinética, el fenómeno de distribución de los pesos, las facultades de resistencia y de resiliencia de la columna, y la diferenciación e integración de las partes y el todo.

    La metodología incluye trabajos individuales, en dúos y tríos, espacios de reflexión y una puesta en común del proceso de aprendizaje desarrollado a lo largo del seminario.

    Nos centraremos en la capacidad de diferenciar cada parte de nuestro sistema, y a su vez, en cómo relacionarlas e integrarlas todas en un movimiento global. Promoviendo que cada parte se mueva de modo diferenciado y relativo respecto de las otras. Mediante la atención guiada y la observación de cualquiera de los componentes del sistema influiremos sobre los otros, mejorando alternativamente al todo y a las partes y por lo tanto, a toda la persona del bailarín.  El dominio más refinado y perfecto del movimiento se alcanza mediante una capacidad mayor de sentir diferencias.  Cuanto mayor sea el número de sistemas pequeños que conformen el sistema principal mayores serán las posibilidades de recuperación en el equilibrio dinámico y mayor la integración de la totalidad funcional.

    Nos centraremos en la diferenciación y la colaboración de las fascias, músculos, discos, huesos, y articulaciones en el fenómeno de la distribución de los pesos, y el equilibrio dinámico. A través de estas capacidades de diferenciación e integración, permitimos que el movimiento viaje por toda la estructura en un movimiento ondulatorio, provocando una redistribución de los esfuerzos en todas las direcciones, ganando mayor amortiguación, elasticidad y potencia en el movimiento.

    Trabajaremos, entre otras cosas, en el movimiento diferenciado entre las tres esferas:  cabeza/ caja torácica /pelvis; y al interior de las tres esferas, el movimiento diferenciado entre el esternón y la columna, entre la articulación del fémur/cadera y la cabeza, la cabeza y el cuello, etc.

    Asi mismo la conexión de esas tres esferas a través de la cadena articulada y elástica de la columna, y sus múltiples relaciones espaciales.

    Trabajaremos también la idea de proporcionalidad, es decir, que el movimiento se distribuya en todas las articulaciones involucradas en la misma proporción, encontrando una colaboración entre las distintas estructuras de nuestro sistema para una acción más eficiente, con menor esfuerzo.

    La calidad del movimiento depende, entre otras cosas, del grado de proporcionalidad de la distribución del mismo en todas las partes implicadas.

    Estudiaremos además la capacidad elástica del movimiento, la capacidad de deformación de los tejidos como consecuencia de la aplicación de una fuerza, en un modo activo por puesta en tensión, o pasivo, por la respiración.

    Pensando el cuerpo como un sistema auto modelado en tensión, un sistema en estado de auto equilibrio estable incluyendo un conjunto discontinuo de componentes comprimidos al interior de un continuum de componentes tensos.

    La relación entre compresión y tensión, la capacidad de recuperación y el fenómeno de la distribución de los pesos en el equilibrio dinámico.

    Trabajaremos también en la posibilidad de dilación entre el proceso intelectual, o aparición de un impulso, y su traducción a la acción como para que esta pueda ser inhibida. Esta posibilidad de crear la imagen de una acción y demorar después su ejecución constituye la base de la imaginación.

    La posibilidad de una pausa entre la creación de la pauta de pensamiento de cualquier acción particular y la ejecución de esa acción constituye la base física de la conciencia. Esa pausa permite examinar qué sucede en nuestro interior en el momento en que se forma la intención de la acción, así como durante su actualización. La posibilidad de posponer la acción, de prolongar el período que separa la intención de su ejecución, nos permite aprender a conocernos, y operar sobre nuestros impulsos, y el modo en que ellos se efectúan.

    La vida del impulso se encuentra entre la inmovilidad y el movimiento que promete, en una pausa cargada de tensión. Es una imagen que contiene pasado y futuro en el instante de su aparecer.

    Hay un intervalo entre la potencia del impulso, y la actualización de ese impulso. Un vacío entre su aparecer y lo que aviene. Y la pregunta es, ¿cómo encarnar lo que aún no existe?

  • ANÁLISIS COREOGRÁFICO Y ESTÉTICAS CONTEMPORÁNEAS (Laura Papa):

    Perspectivas y criterios del análisis coreográfico. Género y estilo. La curaduría.

    La danza moderna, el teatro musical, el formalismo, el Butoh, el Tanztheater, la Postmodern Dance: recursos y modos de producción, procedimientos constructivos.

    La contemporaneidad. Lo estético y lo artístico en la contemporaneidad. La pregunta por la definición del arte, de la obra de arte y del artista. La estetización. La danza como arte contemporáneo. Fronteras del arte. Interdisciplina, pluridisciplina y transdisciplina.

  • ENTRENAMIENTO ACTORAL (Carlos Defeo):

    El objetivo del taller es un entrenamiento  que nos permita ampliar el arco expresivo e investigar  la poética personal de los intérpretes, a  través de ejercicitación específica en cada una de las áreas involucradas.

    Del cuerpo, hacia la acción y la actuación.

    De la voz, a la palabra y al texto.

    Del plano pictórico, a la improvisación y al abordaje del texto dramático.

  • MUSICA Y ESCENA (Guillermina Etkin):

    La propuesta del seminario consiste en generar un espacio de investigación, creación y producción en torno a la dimensión sonora de la escena.  Se analizará la relación entre sonido, música, voz y movimiento en la construcción de sentido. Se abordarán tanto los aspectos formales y estéticos de la composición musical como la materialidad del sonido en sus múltiples posibilidades de interacción con el movimiento y la performance. Se estudiará el sonido en cuanto a los parámetros altura, intensidad, timbre y duración en analogía con parámetros de movimiento y composición coreográfica. Se analizará la relación música-escena en casos específicos de obras de danza y danza teatro especialmente seleccionados. Se trabajará sobre la noción de partitura como herramienta para la toma de decisiones en cuanto al sonido y su relación temporal-espacial con los demás elementos intervinientes en la construcción de la dramaturgia de una obra. Se experimentará con materiales performáticos concretos por medio de la improvisación y la composición de escenas breves, para las que se hará una selección exhaustiva de materiales sonoros y musicales que serán puestos a prueba y posteriormente analizados.

  • DIRECCIÓN DE ARTE –escenografía, luces y vestuario- (Valeria Brudny):

El taller tiene dos objetivos principales, a saber:

  1. Incorporar conceptos básicos del lenguaje visual que aportan al desarrollo de producciones con una visión artística integral del trabajo.
  2. Posibilitar el intercambio de saberes y necesidades con otros actores del mundo del espectáculo a través una terminología pertinente con áreas específicas del campo teatral (Escenografía, Vestuario, Iluminación, etc.)

 El taller se divide en 4 módulos de 2 clases cada uno. Cada módulo a su vez se divide en una              clase teórica y otra práctica. Esta modalidad posibilitará la práctica de los contenidos teóricos y  se implementará a través de una serie de premisas y consignas a desarrollar por los estudiantes.

       CONTENIDOS:

  1. Mundo del Color: Color luz y color pigmento. Temperatura. Valores. Saturación. Variedad y calidad de luz. Contrastes, pasajes
  2. Campo visual: Nociones básicas de diseño para componer un espacio,  un vestuario y una puesta de luces.
  3. Toma de partido: Elementos a tener en cuenta para componer el diálogo visual entre las diferentes áreas.
  4. Estilos: trabajo a partir de la elección de referencias visuales según una producción personal. Desarrollo y puesta visual de un concepto.
  • GESTIÓN Y PRODUCCIÓN (Marina D’Lucca):

    Las épocas actuales exigen al intérprete, docente o creador artístico, conocer las diferentes alternativas y los medios posibles para financiar, desarrollar y hacer un que proyecto artístico o pedagógico sea económicamente viable , pueda comunicarse correctamente y esté correctamente pensado,  planificado y diseñado. Una nueva necesidad de la formación artística actual es entender qué es la producción y cómo se gestionan profesionalmente los proyectos.  En el entorno cambiante del universo Cultural, la producción  es el comienzo de la cadena de actividades que permitirá que los contenidos lleguen a las audiencias, al público, a los estudiantes, a la comunidad en general.  Es por ello que es necesario reflexionar sobre los fundamentos de la producción considerando su especificidad y complejidad.

    La materia entonces, es una introducción teórica y metodológica de estos dos universos: Gestión y Producción de un proyecto o una obra, en el ámbito público, privado, comercial, independiente o alternativo. El recorrido de las clases sienta las bases para la comprensión y planificación de ambas actividades y de los aspectos derivados de ella; por ejemplo, presupuestos, financiación, entidades regulatorias, mecanismos de control entre otros. El proceso de enseñanza plantea el desafío de incorporar todos estos conocimientos para formar no sólo profesionales idóneos, sino también personas con capacidad de reflexión, creatividad y autonomía para comprender los obstáculos y las virtudes de la gestión Cultural y del Arte.

  • TEATRO FÍSICO (Silvina Grinberg):

    El objetivo del seminario es tratar de encontrar un estadio escénico en el interprete, desde el cual, tanto el movimiento como la textualidad, no se presenten como partes escindidas en la escena. La intención es darle a la oralidad y al movimiento el mismo eje creativo.

    El movimiento y la palabra como motores de acción. La acción como motor en relación con los demás, con el espacio y con los objetos. Oralidad propia. Texto ajeno. Movimiento pautado. Movimiento improvisado.

    El Seminario pretende un espacio de estudio en el que se puedan precisar cuales son los puntos de atención a tener en cuenta por el intérprete en las instancias primero de la creación, y luego, de la interpretación.